jueves, 12 de julio de 2012

QUINTO DÍA URBINO


QUINTO DÍA URBINO
De Arezzo salimos para Urbino por una carretera de infarto por  los Apeninos, pues Urbino está en alto, en realidad es una ciudad de montaña que se queda aislada casi un mes entero en invierno por la nieve, con lo que el paisaje es precioso pero la carretera un poco temerosa llena de curvas e italianos con prisa que adelantan en lugares imposibles.
Se llega a Urbino y empezamos a ver el palacio ducal desde lejos que está colgado y funciona como la fachada de la ciudad. Lo que vemos son las logias que se correspondían con las habitaciones privadas del palacio orientadas al noroeste. Balcones dentro de arcos de triunfo  en tres alturas y todo el cuerpo entre torres.

 El palacio ducal se amplía justo durante la corte de Federico de Montefeltro en el S XV, esta era una de las cortes más cultas y avanzadas del Quattrocento. El duque hombre con una formación humanística muy importante y refinada tuvo a su servicio a artistas tan grandes como Piero della Francesca, Pedro Berruguete y Laurana el arquitecto que seguramente junto a Piero della Francesca se ocupó de la ampliación del palacio.

 Laurana proyecta el nuevo palacio entorno a un patio cuadrado porticado y plenamente renacentista con una fachada en L hacia la plaza del centro de la ciudad, y un frontis oblicuo hacia el campo, que es lo que primero vemos del palacio cuando llegamos.



 El nuevo palacio va a transformar la ciudad medieval. La ciudad esta amurallada tiene forma ahusada, alargada con una calle larga. Hoy el palacio es el museo de las Marcas, sobre todo íbamos a ver “La Flagelación” de Piero della Francesca y la “Ciudad ideal” que se especula que también pudo pintarla él o Laurana, además hay un magnífico retrato del duque pintado por Berruguete un precioso retrato de una dama de Rafael, una predela de Uccello.



 Pero también y por otra parte muy importantes son las marqueterías. Primero las del Estudiolo del duque, estudio diminuto donde se retiraba a estudiar. El estudio está decorado con marqueterías aplicadas a las paredes que simulan armarios, entre ordenes,  de puertas de rejilla abiertas que muestran todo tipo de objetos que tenían que ver con la formación del príncipe, libros, instrumentos musicales, instrumentos científicos, algún paisaje, alguna escultura en su nicho, algún animal, todo en trampantojo, en la parte de arriba una serie de retratos. Estas marqueterías son realmente uno de los antecedentes importantes de la naturaleza muerta.

 Pero van mas alla, estamos en el S XV momento en que se han sistematizado las reglas de la perspectiva geométrica y se produce un verdadero furor por la representación de  arquitecturas fingidas, por lo que nos vamos a encontrar con este tipo de decoración en muchas de las puertas del palacio. Este tipo de marqueterías se ponen de moda se utilizan para las puertas, también para bargueños y muebles y se difunden fuera de Urbino.
La plaza con el palacio y la Catedral con fachada palladiana, es elegantísima con escasísima decoración. 



Antes habíamos ido a la casa de Rafael que da a esta calle pero hacia el otro lado. Parece ser que se conserva tal cual, es una casa de una familia acomodada de la época. El padre Giovanni Santi era pintor reconocido que trabajó para la corte con lo que tuvo un buen taller y una casa importante. El taller lo tenían abajo y la vivienda en los pisos altos, Rafael queda huérfano muy pronto pero como se había criado en el taller de su padre y desde muy niño apuntaba maneras, a la muerte de su padre se hizo cargo del taller familiar. En la casa no hay ninguna obra suya, pero la visita aun así es interesante.
De Urbino salimos para Rimini para pasar nuestra última noche en Italia. Y por supuesto esa noche nos acercamos a ver una vez más el Templo Malatestiano, tan elegante, y a dar un paseo por esta encantadora ciudad de vacaciones donde nació Fellini.

miércoles, 4 de julio de 2012

SANTA MARÍA NOVELLA PAISAJE URBANO EN EL DECAMERÓN POR CARMEN MONTERO


Santa María Novella, paisaje urbano en el Decamerón.
Carmen Montero
Narra Boccaccio, en el noveno cuento de la Octava Jornada del Decamerón (1351), que los personajes Bruno y Buffalmacco, pintores pobres y conocidos de la ciudad de Florencia,  estaban cansados y aborrecidos del médico maese Simón, experto en bravuconadas, farsante y cotilla, doctorado en la universidad de Bolonia gracias más a sus riquezas que a sus saberes. Por ello,  pergeñan una broma pesada y desagradable a fin de que el galeno escarmentara y aprendiera  una lección de modestia y discreción. Así, Buffalmacco adiestra de esta manera a Simón haciéndole creer que acudirá a una reunión de nigromantes para, con el engaño, terminar riendo la farsa con su compañero:
Debéis encontrar el modo de estar esta noche hacia el primer sueño en uno de esos sarcófagos elevados que hace poco se hicieron por fuera de Santa María Novella con uno de vuestros mejores trajes para que la primera vez comparezcáis honorablemente ante la pandilla y también porque, como sois gentilhombre, la condesa [Civillari ] pretende haceros caballero lavado a sus expensas; y que esperéis allí  que vaya por vos aquel al que mandemos. Y para que estéis enterado de todo, irá por vos una bestia negra y cornuda no muy grande e irá haciendo por la plaza ante vos un gran resoplido … para asustaros…Cuando se os haya acercado, entonces, vos, sin miedo alguno, bajad del sarcófago y, sin acordaros de Dios o de los santos, subíos encima, con los brazos cruzados…
María Hernández Esteban, encargada de la edición del Decamerón en Letras Universales de la editorial Cátedra , alude a la fecha de construcción de los mencionados sarcófagos: …los sarcófagos de Santa María Novella se pusieron hacia 1314, fecha a partir de la cual se podrían fijarlos acontecimientos del cuento.
Civillari, el nombre de la condesa, es, según documenta María Hernández, una zona de la ciudad donde se acumulaban los excrementos para hacer abono. En realidad, Boccaccio anticipa en este y otros momentos el final de la narración: Simón, en lugar de ser conducido por los pintores nigromantes a suntuosos palacios orientales donde festejar el amor y el sexo, será arrojado a una fosa de excrementos y abandonado allí a su suerte. El doctor no solo despierta la hilaridad de la pareja de amigos, sino también el enojo feroz de su mujer, quien recibe a su pestilente marido pensando que acababa de estar con una amante.

martes, 26 de junio de 2012

CUARTO DÍA AREZZO


     CUARTO DÍA AREZZO
Llegamos a Arezzo con cierta ansiedad tras haber pasado por Monterchi para ver “La Virgen del Parto” de Piero della Francesca. Este sorprendente y encantador fresco en origen estaba en una pequeña capilla que había en el cementerio donde posiblemente estuviera enterrada la madre del artista pues ella era de Monterchi. Hoy lo han trasladado a la antigua escuela del pueblo, donde han montado un pequeño museo para dentro de una urna de cristal colocar el fresco, parece ser que la capilla donde se encontraba estaba en muy malas condiciones. Claro se ha perdido parte de la escenografía original ya que Piero debió jugar con la sorpresa de aquel que abría la puerta y se encontraba de golpe con la visión de la Virgen embarazada, apareciendo tras dos cortinas desplegadas por dos ángeles que se muestran de frente al espectador. Bueno no importa porque el fresco es de una belleza exquisita en su minimalismo. Metida en un escenario cónico, iluminada desde la izquierda, luz que nos deja ver el dibujo del brocado de la cortina de ese lado, ella se presenta embarazada con la izquierda señalando su vientre y la derecha en jarras, grávida muy joven, monumental, trabajada con las luces y mirando hacia abajo, distanciada, los ángeles simétricos con los colores en contraposto en rojo y verde y ella en azul mandarín rebajado, preciosa.


Llegamos a Arezzo sobre todo para ver los frescos de “La Vera Cruz” también de Piero della Francesca, pero teníamos hora para por la tarde así que nos dimos una vuelta por la ciudad, por cierto preciosa,

 me pareció especialmente importante la iglesia románica de Santa María con galerías de arcos en la cabecera y la fachada, de tres naves  bastante altura y cubierta con armadura de madera, cabecera muy elevada para colocar una cripta en el presbiterio. Me recordó a San Vicente de Cardona que también posee una cabecera en alto y cripta.


 También fuimos a la Catedral para ver la Magdalena de Piero della Francesca y nos acercamos a Santo Domingo a ver el Cristo de Cimabue.



Por la tarde a San Francisco para ver los famosos frescos de Piero della Francesca en donde se narra la historia “de la Vera Cruz” según Jacopo de la Vorágine.

             FRESCOS DE LA VERA CRUZ EN SAN FRANCISCO DE AREZZO Y SU HISTORIA

1.        Arriba a la derecha la muerte de Adán, en dos partes; A) Adán sentado y enfermo anuncia su fin, y B) Adán ya muerto yace en el suelo y Set  (hijo de Adán y Eva) se arrodilla y le planta la rama del árbol de la Misericordia (el árbol del Bien del Paraíso) en la boca.



2.         Debajo de esta en la derecha: Salomón manda cortar el árbol para su palacio que estaba en construcción pero no puede utilizarlo porque o es demasiado grande o demasiado pequeño, al no encajar lo destina para construir un puente sobre el rio Siloé. A) En la parte izquierda del fresco aparece la reina de Saba y su sequito, ella se arrodilla ante el madero del puente,  porque siente la revelación, para adorarlo cuando se dirigía al palacio del rey Salomón. B) En la derecha y en el palacio del rey la reina de Saba se inclina ante él y le dice: “En ese madero será clavado un Hombre a causa del cual el reino de los judíos se verá deshecho y terminado”. Salomón manda sepultar el tronco profundamente en la tierra para evitarlo.


3.       Escena junto a la ventana a la derecha tres hombres se llevan la viga para sepultarla ajenos a la boca del infierno que se abre a sus pies, el hombre que porta la Cruz es una imagen profética de Cristo con la Cruz a cuestas.



PIERO SE SALTA TODA LA HISTORIA DE LA PASIÓN DE CRISTO Y PASA A LA INVENCIÓN DE LA CRUZ POR SANTA  HELENA.
PODÍA ESTAR FUERA DEL RELATO POR SER ESTE SOBRE TODO UN RELATO CABALLERESCO.
EL REDESCUBRIMIENTO DEL MADERO VIENE PRECEDIDO POR EL RELATO DEL SUEÑO Y LA VICTORIA DE CONSTANTINO.
4.       Pared derecha debajo de la reina de Saba la victoria de Constantino contra Majencio gracias a la señal de la Cruz que había soñado la noche anterior.



5.       Bajo la escena de los tres hombres portando el madero está la escena del sueño de Constantino. El rey duerme en una tienda de campaña. Arriba un ángel se aparece y le ordena a Constantino mirar a la señal de la cruz con la que vencerá a Majencio.



PASAMOS AL OTRO LADO DE LA CAPILLA. 
6.       Arriba a la Izquierda Heraclio devuelve la cruz a Jerusalén.



7.       Debajo la Emperatriz Helena descubre la Vera Cruz y demuestra su autenticidad. Primer episodio; un judío llamado Judas conocía el paradero de los maderos pero no quería revelarlo, le meten en un pozo mediante amenaza de dejarle morir, a los seis días es sacado del pozo. Fresco de al lado de la ventana, lado izquierdo.


8.       Condujo a la Emperatriz hasta el lugar, excavaron y encontraron tres cruces que mostraron a la reina pero Judas no sabía cual era la de Cristo, las hace colocar en medio de la ciudad esperando la señal de Dios. Hacia el mediodía por allí pasó un cortejo fúnebre y Judas impuso una por una las cruces sobre el joven difunto y la tercera consiguió resucitarlo. Fresco contiguo al anterior a la izquierda.

9.        Abajo a la Izquierda  la victoria de Heraclio: trescientos años despues Cosroes rey de los persas se lleva la Cruz y la pone a la derecha de su trono en vez del Hijo y un gallo en la izquierda en lugar del Espíritu Santo y ordenó que se le llamara Padre. Por lo que Heraclio emperador de Oriente fue contra él (por hereje) con su ejercito y lo venció. Este fresco forma pandant o pareja con la otra batalla, la de Constantino al otro lado. Finalmente todo termina en el fresco nº 6, arriba a la izquierda,  donde Heraclio devuelve la Cruz a Jerusalén.

LA ANUNCIACIÓN O "EL ANUNCIO DE LA MUERTE DE SANTA HELENA" SEGÚN DISTINTOS ESTUDIOS



                                                                                                     


miércoles, 20 de junio de 2012

TERCER DÍA SIENA

 TERCER DÍA SIENA
En Siena primero fuimos al Palacio comunal, que se encuentra en “el Campo” insólita plaza que tiene la forma del manto de la Virgen. Dividida en los distintos palios o barrios que componen la ciudad medieval. La plaza además está en pendiente, yo solo pienso en cuando sacan los caballos en la fiesta del Palio cómo resolverán! En el Palacio hay una sala dedicada a Duccio en donde se expone la pala de la Maestá que fue el retablo mayor de la Catedral. Duccio pertenece a la escuela sienesa del S XIV, fue con Giotto de los pintores  más innovadores del Trecento. Demuestra mucho interés por los volúmenes, trabajados con la luz, por el detalle y por los escorzos. Llena de humanidad a sus figuras y construye maquetitas de madera para representar sus edificios como hacía Giotto.


 Es estupendo ver primero esta sala donde uno se empapa de esta vertiente de la pintura sienesa para pasar luego a la sala del Mappamondo donde están la Maestá de Simone Martini y Guidorico da Fogliano, ambas obras representativas del llamado Gótico Internacional. Simone Martini es artista áulico e interprete refinado del ideal caballeresco, plenamente inmerso en el mundo aristocrático del gótico. A Simone Martini le interesa mucho mas la línea que el volumen, en la Maestá vemos una Virgen en una tribuna como si se dispusiera a presenciar un torneo en su honor, bajo un estilizadísimo palio y rodeada de santos y ángeles incorpóreos, transparentes de gran belleza y elegancia, en una línea opuesta a la corporeidad y humanidad de Duccio.



 En cuanto al Guidorico da Fogliano, frente a la Maestá sobre un azur profundo y un paisaje ondulante de catillos y fortalezas, dorado como su vestido y las gualdrapas de su caballo, compone una imagen heráldica como de cuento.




Después fuimos a la Catedral que sigue las trazas de la escuela del gótico toscano con una fachada tipo telón de diseño geométrico a base de gabletes inscritos en cuadrados y circunferencias perfectas en óculos y arquivoltas, a parte de una magnífica decoración de pináculos, cresterías, escultura de los Pisano y mosaicos llenos de color.




 La Catedral data de 1263 obra de Giovani Pisano tiene tres naves y una cabecera monumental y muy profunda, compleja, escalonada, en el crucero sobre una planta octogonal cúpula con linterna.



 El interior revestido de mármol blanco y negro, los colores de Siena, le dan un aspecto majestuoso y muy refinado si además añadimos las maravillosas taraceas del pavimento en las que se representan escenas religiosas y paganas, realmente nos encontrarnos en un lugar deslumbrante.











 En 1333 se quiso ampliar y triplicar el espacio, en 1348 llegó la peste negra y se abandonó el proyecto. En su interior se encuentra uno de los púlpitos de los Pisano, obra absolutamente maestra de la escultura gótica, a parte de la biblioteca Picolomini con frescos del Pinturrichio y diversas obras de Donatello, Miguel Ángel y Bernini.




También visitamos el baptisterio que se encuentra a los pies de la Catedral y en el subsuelo, donde lo mejor es la pila bautismal octogonal como mandan los cánones con relieves de Donatello.


miércoles, 13 de junio de 2012

LOPE Y RUBENS ANTE EL CONCILIO DE TRENTO CARMEN MONTERO



El poema de Lope de Vega, Al poner a Cristo en la Cruz, está constituido por una serie larga de versos octosílabos, el romance, monorrimos los impares en e-e. El romance es la estructura de versificación más típica de España, por lo que su elección por el poeta barroco (1562-1635) ganaría ya las simpatías de nuestros contrarreformistas. Y no olvidemos, el romance surge para ser cantado ante el pueblo, de modo que esta realidad nos permite ya adelantar que Lope actúa como el juglar de Dios y de la Virgen, en su propia composición la cual ofrece, revierte y entrega a las gentes de fe.

El tema principal del poema es el acto de instalación de Cristo en la Cruz llevado a cabo por los soldados. Este núcleo de contenido se relaciona con otros, de carácter simbólico, que se muestran al lector dotados de una gran carga emocional según veremos: la vestimenta sagrada, la Virgen y los tiempos pasados.

En El levantamiento de la Cruz (1610), Pedro Pablo Rubens (1577-1640) realiza un tríptico de 6 X 4’60 m acorde a los dictámenes iconográficos tridentinos (1545-1563) en los cuales se jerarquiza la disposición en el retablo de los motivos según el orden de relevancia. De este modo, el símbolo máximo de la religión católica, la crucifixión, que dará lugar a la redención de los pecados del hombre, debe figurar en el centro del tríptico. El pintor la expresa en la dirección de una vertiginosa diagonal barroca que encarna el dolor físico y espiritual de la Humanidad. Las tablas laterales están ocupadas por los santos Armando, Walpurgis, Eligio y Catalina; la Virgen y San Juan más algunos episodios milagrosos.

Ambos artistas, cercanos en el tiempo y en sensibilidad lírica, han coincidido en la intención de elevar a sublime el dogma de la entrega del Hijo al Padre, representado en la Cruz y glorificado por el Concilio de Trento. Y ambos han escogido prácticamente el mismo punto del larguísimo proceso de la Pasión: Lope de Vega el de tender a Jesucristo, primero “..de ojos,/ arrojado de la frente”, después boca arriba, en la Cruz. Rubens, el de la imagen estática y plena de tensión en la elevación de la cruz Alma de pórfido y mármol,
Incluso el adoctrinamiento, la defensa de la moral católica y la invitación a un comportamiento ascético y decoroso de la vida religiosa se hacen patentes tanto en el quehacer de Lope como del pintor de Flandes.

           Alma de pórfido y mármol,
          Mientras en tus vicios duermes,
          Dura cama tiene Cristo,
          No te despierte la muerte.

 Sea cual sea la manifestación artística que se ocupe de estos misterios de la fe, la escenificación dramática y la teatralidad de los hechos representados están presentes en la mayoría de las obras del seiscientos, aunque solo se trate de moda, actuando como aparato crítico que desentraña las tensiones de la vida, como es el caso de las obras que analizamos: 

“Quitáronle la corona, / y abriéronse tantas fuentes/ que todo el cuerpo divino / cubre la sangre que vierten. / Al despegarle la ropa / las heridas reverdecen, / pedazos de carne y sangre /salieron entre los pliegues”
Es destacable en Rubens –además de otros componentes- las múltiples tensiones que protagonizan el cuadro como elementos dramáticos. Todas ellas se resuelven de abajo arriba desde la tensión muscular humana de los sayones apiñados en un esfuerzo común hasta llegar a Cristo, la Virgen y el Padre callando la violencia del acto. El caballo escorzado de la tabla derecha parece rebelarse ciegamente contra los hechos que observa mientras que los personajes de la tabla izquierda permanecen sumidos en el dolor.

Insiste el congreso eclasiástico en que la obra de arte debe despertar la misericordia de los creyentes. Pues bien, es indudable que Lope de Vega mueve a compasión cuando expresa desde el recuerdo, en su poema, refiriéndose a la vestimenta de Cristo que mencionábamos arriba:

                Aquella ropa inconsútil
   Que, de Nazareth ausente,
               Labró la hermosa María
               Después de su parto alegre…

Y es que existe ternura en el afán de coser de la Madre de Dios ajena al trágico futuro. Pero la misericordia se realzará aún más cuando, en insólito y violento contraste y claroscuro, los soldados, que no los ángeles (“no bajan a desnudarle / los espíritus celestes”) toquen esas prendas sagradas y luego,

                Sobre su ropa echen suerte.

Conmueve también de forma plásticamente trágica la paradoja hiperbólica, la ironía punzante y sarcástica de versos como los siguientes:

                ¡Qué cama os está esperando,
                Mi Jesús, bien de mis bienes
                Para que el cuerpo cansado
                Siquiera a morir se acueste!
                ¡Oh, qué almohada de rosas
                Las espinas os prometen!;
               Qué corredores dorados
               Los duros clavos crueles! 

En el cuadro de Rubens, la virtud compasiva se vuelve casi agónica cuando de ella, instalada entre la imagen del Cristo casi yacente y el espectador, surge la impotencia humana de acudir en defensa del moribundo o vemos inútil nuestra acción pues Jesucristo contempla al Padre y no al hombre ya. Tal es la fuerza y el vigor con que Rubens da potencia expresiva a los escorzos de los soldados, a la iluminación de la carne trémula de Cristo, a su ubicación, altiva y triunfante, pese al dolor, en el vértice de una pirámide humana.

Trento dispone también que la representación artística de la Virgen sea la de una mujer en pie, fuerte y entera pese a su estado transido de cansancio; afrontando la agonía y muerte del Hijo. Lope resuelve sin rompimiento de las normas canónicas las referencias a la Virgen en el texto siempre de una manera amorosa y original.

En primer lugar, sentimos su proximidad cuando el yo poético dialoga con ella o le advierte del peligro, como hacía el juglar con su público, señalando el espacio por donde venían los nuevos acontecimientos:

                Mirad, Reina de los cielos,
                Si el mismo Señor es este
                Cuyas carnes parecían
                De azucenas y claveles

Lope “oculta” incluso a la Virgen la posibilidad de contemplar al Hijo azotado y desnudo:

                Si agora llegáis a verle
                En tan miserable estado,
                ¿Quién ha de haber que os consuele?

Por otra parte, la Madre de Cristo permanece en la lejanía del tiempo desde donde es rescatada para ofrecer de ella una imagen feliz pero, como vimos en el episodio del ropaje, que contrasta dolorosamente con la Pasión. En la imagen de la Cruz=cama, el poeta introduce otro nuevo elemento discordante: el pesebre. Con él nos recuerda que aunque nevado, era más cálido que la Cruz gracias al “abrigo de las paredes / las tocas de Vuestra Madre / y el heno de aquellos bueyes” En este tratamiento de la figura demuestra Lope su sentido amor y su devoción mariana. Aunque más dura se os haga

          Que en Belén entre la nieve.
         Que en fin aquella tendría
         Abrigo de las paredes
         Las tocas de vuestra Madre,
        Y el heno de aquellos bueyes. 

Pedro Pablo Rubens escoge lo normativo para cumplir también con el dictamen de la Iglesia. Su Virgen permanece casi en la oscuridad de las luces y sombras de la tabla de la izquierda; junto a San Juan, del que necesita apoyo físico para mantener su integridad. Sin embargo, alza su mirada hacia el Hijo y este hacia Dios, completando los tres un triángulo de relaciones visuales y amorosas que dotan de vida la escena tan cargada de muerte. No en vano también afirmaban los filósofos renacentistas ser los órganos de la visión los elementos capaces de poner en contacto la vida interior y espiritual del yo íntimo con el mundo, con el Otro.

lunes, 21 de mayo de 2012

SEGUNDO DIA EN FLORENCIA.


SEGUNDO DÍA EN FLORENCIA
Lo primero que hicimos fue acercarnos a San Marcos para ver los frescos de Fray Angélico. La arquitectura del monasterio es de Michelozzo abajo hay una sala con pinturas sobre tabla entre las que se encuentra el Descendimiento. Muy conocido y precioso de última hora del maestro.
Lo que es sorprendente y de un gran encanto son los frescos que pintó en cada una de las celdas de los monjes, por lo que subimos al dormitorio y nada mas llegar nos encontramos el fresco de la Anunciación, esta ya está en una estética completamente distinta a la del Prado, todavía muy gótica, mucho mas cuatrocentista en la que ha incorporado la humanidad, gravedad y el espacio tridimensional tanto en el pórtico como en el jardín.
Hicimos todo el recorrido por las celdas todas y cada una con su correspondiente fresco. Es una maravilla este monasterio de dominicos donde estuvo Savonarola.
Después nos dirigimos a Santa maría Novella para ver la Trinidad de Massaccio y los frescos de la vida de la Virgen del Ghirlandaio que se encuentran en el coro.
De Santa María Novella nos fuimos a San Lorenzo y lo primero que vimos fue la biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel aquí Miguel Ángel consigue un espacio fuertemente impactante utilizando el lenguaje clásico con muchísima fuerza.
Luego pasamos a la basílica de Brunelleschi primera vez que se articula todo el espacio con el lenguaje clásico aplicando la visión perspectiva, haciendo fugar todas la líneas rectas hacia el altar, la sensación es de un gran espacio tectónico, estático, unitario, equilibrado, elegante y frio en comparación con la biblioteca construida un siglo mas tarde fuertemente emotiva tensa.
 Y por supuesto entramos en la sacristía vieja primera reflexión sobre las plantas centralizadas,  también de Brunelleschi. Con la modernísima tumba del Verrochio.
Y llegó el momento de ver la sacristía nueva con las tumbas Mediceas de Lorenzo y Juliano, como todo el mundo sabe realizadas por Miguel Ángel. Siempre magníficas.
Por la tarde teníamos hora para ver los frescos de Massaccio en la capilla Brancacci de la iglesia del Carmine, de obligado cumplimiento en un viaje cuyo tema principal eran los frescos del Quattrocento. Tanto esta como la Trinidad piezas clave para entender las profundas innovaciones pictóricas que se llevaron a cabo en este siglo y cuyo artista mas vanguardista fue Massaccio.

Como estábamos muy cerca de la basílica del Santo Espíritu de Brunelleschi, en la que se acaba de desarrollar la planta de San Lorenzo, nos metimos a verla.
Aquí terminábamos la visita de Florencia y nos fuimos a Siena donde llegamos a última hora de la tarde para poder cenar y darnos un paseo por la ciudad.

jueves, 10 de mayo de 2012

VIAJE A ITALIA PRIMER DÍA EN FLORENCIA

Llegamos a Florencia a la hora de comer y a las 4 teniamos hora para ver en el Medicis Ricardi  la  Cabalgara de los Reyes Magos de Gozzoli. Decidimos repasar los primeros palacios en la via larga: el Medicis Ricardi de Michellozo, El Rucellai de Alberti y el Strozzi . Todos partiendo del Pitti.
MEDICI RICARDI
                                                                         PITTI
                                                                     RUCELLAI
STROZZI
Después nos encaminamos a ver Santa María Novella primera fachada articulada con el lenguaje del renacimiento diseñada por Alberti, por cierto está limpia y preciosa .
MENSULÓN DE SANTA MARÍA NOVELLA
FACHADA DE SANTA MARÍA NOVELLA
Empezaba a ser la hora de la cena y nos fuimos a cenar a una de las terrazas en la plaza de Santa Croce.
No cenamos mal.
SANTA CROCE
Antes de llegar a esta plaza habíamos ido al ponte Vechio  y lo cruzamos siguiendo las galerías construidas por Vasari para que los Medicis pudieran salir del palacio de la Segnoría y llegar al Pitti sin pisar la calle, ademas podían oir misa en Santa Felicitta , en esta iglesia se encuentra la capilla Caponi decorada por Pontormo con el famosísimo transporte del cuerpo de Cristo y la Anunciación, maravillosa ademas de sorprendente.
                                                          SANTA FELICITA